相较于大多数行业无障碍地接受AI，电影行业的态度一直以来显得颇为暧昧。

一方面，AI技术的迅速更迭令从业者感到生存受到威胁，当演员拥有数字替身，真人表演是否失去意义？另一方面，AI带来的效率和成本优势又极具诱惑力。如果使用AI工具能够降低20%的成本甚至更多，为什么不呢？

在一些创作者看来，让AI生成画面是一种作弊，是对电影艺术纯洁性的冒犯。而在另一群创作者眼中，AI不过是辅助创作的工具，和数字技术取代胶片并无本质不同。抵制还是拥抱，行业内部至今未能达成共识。

电影节正是将不同立场的人汇集在一起的地方：电影艺术最忠诚的守护者、AI工具最灵活的使用者、徘徊在技术与艺术之间的电影公司、势头正劲的科技公司……它将所有人放在同一个场域，彼此打量，创造对话的可能。

除了焦虑和等待，以及停留在纸面或口头的概念讨论，行动也是必要的。第28届上海国际电影节首次设立“AI片场”，与人工智能公司MiniMax合作，用数月时间落地一场融合创制实验。

上海国际影视节中心副主任童颖告诉第一财经：“我们关注到，电影节大多数会从两个方面关注AI，一种是开展AIGC的征片和评选；另一种是开展黑客松的比赛。”黑客松（Hackathon）通常指在一定时间内让开发者、创作者围绕特定主题进行高强度协作与快速产出。

“AI片场”的特别之处在于，组委会从来自海内外的近500份报名中选拔出优秀创作者，再由创作者自由组队，最终形成四组由传统影视创作者与AI超级创作者共创的团队，在一个月的时间里各完成一支短片，去探讨和发现AI进入影视行业各环节时，它目前最擅长什么、短板在哪里、未来可以向哪些方向发展、何时才能真正用于电影工业，以及什么又是它无法替代的。

童颖说，对上影节而言，这是一次充满不确定性的尝试，但新技术和传统电影工业已经到了必须相互拥抱的时候了：“与其说抵制、观望，为了避免争议干脆不触及这个话题，不如大家坦率地去讨论，伴随行业一同去探索。相较于创造一部AI爆款，发现问题、挖掘充满锐气和才气的创作者，这可能是更大的价值。”

上影节期间，设立在上海影城SHO四楼的“AI片场”被布置成颇具未来感的赛博朋克风格，四组成员分别在工作台上讨论、操作，几块大屏幕显示着他们的工作流程和细节，实时同步开放给公众。800平方米的空间里融合了算力底座、硬件设施、产业配套、创作力量、互动体验和超级个体展示等内容，搭建起一个微型AI创制生态场景。这里也成了上影节人气最高的空间之一。

它将AI的创制过程完全打开。四组团队不只拿出成片，还把提示词、工作流、素材、废片、选择与放弃的过程都摊在桌上。在“AI片场”，随时能看到一群人围着创作者，提出从细节到宏观的所有问题：提示词怎么写、花了多少积分，AI来了制片人会失业吗，等等。答案就在每一句提示词、每一次抽卡、每一帧被放弃又被重新生成的画面中，被反复追问、改写。

即便未来不使用，也要尝试理解它

“光锥”组的黄雷是一名资深的电影行业从业者。他毕业于北京电影学院导演系，作品曾获得第22届上海国际电影节亚洲新人奖最佳导演提名。在“AI片场”，他几乎事无巨细地回答所有人的问题，鼓励任何有表达意愿的人上手尝试。交谈间，能感受到他对电影艺术的热忱与捍卫。

但这两年，他和很多同行一样，感受到了寒意。

“说实话，我有点紧张、有点危机感。”黄雷说。这几年，身边很多同行较难将一个电影项目顺利推进下去，原因各不相同。为了还能保持创作，他的一些朋友已经开始自学AI制作。在他看来，不具备充裕的资金或资源，通过AI工具先把想表达的东西搭出一个雏形，至少没有坏处。

黄雷坦言自己一度跟不上节奏。“还没摸清楚门道，因为遍地开花，尤其是国内应用端的技术变得很快。去年下半年井喷，我就被喷到一边去了，突然觉得跟不上节奏。”于是，在上影节启动征集后，他赶紧报了名。

黄雷与演员吴汉坤组成了“光锥Lightcone”组合，以“真人实拍+AI加工”的方式完成了一部作品。方向定为写实向，黄雷并不确定现有工具对真人面容的表现能做到什么程度。刚一上手，他们就不停地撞墙。

于是他们做了一个决定，回到传统电影流程里来。团队只用AI生成视频画面，其他部分尽可能由人工完成。吴汉坤本身是演员，这是他们的优势。“我们让演员真的去表演，把戏演下来拍下来，再用AI做转绘。这样表演上加了很多分，至少复杂情绪的呈现不再像一个机器，开始有了人的感觉和意味。”

音乐部分找了职业作曲人，混录部分没有AI参与，“全是人手搓出来的”。黄雷说，混录是把所有素材熔炼为一部成熟作品的过程，那些能传递情绪波动的细节，仍然依赖人的直觉判断。“电影的要求，精确度是到一帧的，连声音都要精确到一帧，AI做不了。”

一个月下来，黄雷觉得自己收获不小。他了解了AI的生产流程和逻辑，知道了可以用多少种方式工作。这已足够，他没有打算成为一个AI超级创作者。在他眼中，AI更像一个全能助手，每个工种都能做到75分。“即便我不选择，我也必须来学，因为它一定会渗透到传统影视创作里。”对电影人来说，AI最大的作用是提高效率、降低成本。以前需要25个人团队才能完成的活，现在可能4个人就够了。

黄雷仍然是电影艺术的捍卫者。接受第一财经采访时他说：“电影艺术的本质是人人都能参与的社会活动。如果没有人参与，那只能叫产品。电影一定是人来做的，因为它需要人的情绪、人的直觉、人的感性判断。这个AI替代不了，也不该替代。如果只把电影当成娱乐消遣，AI可以满足；但如果还喜欢艺术，就一定要亲自参与创作。”

他更在意的是门槛的变化。这个行业以前的实践成本太高，钱把很多人挡在了外面。“大量喜欢电影的孩子没机会，谁给你几十万、几百万拍一部电影？”现在成本降下来了，AI给了年轻人一个撬动资本的支点。“我拿AI都能做成这样，你能不能给我500万试试？”投资人看到AI生成的样片，有了更直观的判断依据。

过去，上升渠道极其狭窄。一个有才华的年轻人需要先拍独立短片证明自己，再拍长片，通过得奖或被同行认可，才能拿到投资，做想做的事。黄雷说，这个过程过去可能20年甚至一辈子都做不到，现在他们有了机会。“你会发现这个行业里有太多有才华的人开始找到机会，有机会敲门了。以前真的是连门把手都没有，太残酷了。”

在黄雷看来，生存是第一位的。“对很多后辈来说，虽然没有机会拍电影，但还有强烈的愿望想表达、想做影视创作，AI当然是很好的工具。起码要先让自己有口饭吃，能继续做下去。先活下来，你才有机会表达。”

新一代创作者的入场

关于AI和影视创作的讨论，一直延伸到正在举行的第31届上海电视节上。赛道不同，技术应用的规模不同，但创作者的思考是相通的。灵河文化创始人白一骢说：“未来真正抢影视人饭碗的其实不是AI，是习惯使用AI的这一代新人，他们有更好的认知、更好的表达方式、更自由的创作空间。”他坦率地说：“我也是上一个时代的既得利益者之一，我们会经历很多失去，可能会被更年轻的人干掉，会被更年轻的人看不上，会有很多人来冲击，但无所谓，时代发展就是这样的。”

“AI片场”发起人、导演黄建新注意到电影节的一个变化，过去展台都是大公司，现在“AI片场”里有很多个人创作者、超级个体。“新的生产力不一定只从大公司长出来，也可能从很小的创作单元里冒出来”。这次有一组北京—柏林的跨文化团队，从“庄周梦蝶”讲起，给出了意想不到的角度。还有一组00后团队，技巧有打磨空间，但影像风格有灵气。“工具让想法更快变成画面，这些年轻人让我看到未来。”

“能工智人”组合或许是“AI片场”最年轻也最引人注目的一组。李鑫欣和王泽都是00后。他们合作的动画短片《愿力司》讲述了一个发生在天庭的故事，恪守天规的愿力司下仙玉女，某天收到了一位母亲祈愿自己幼女死亡的异常签文，不惜违抗天道下凡展开调查。影片探讨苦难、母爱与规则之下人性的柔软，设定新颖，画面也相当流畅。得益于MiniMax旗下多模态AI内容创作平台海螺AI的技术支持，以及充裕的token支持，创作者得以放飞想象、反复尝试。

李鑫欣是中国传媒大学戏剧影视学院硕士研究生在读，本科是电影学视效方向。对她来说，接受AI是一件很自然的事。“我本科就是视效相关，接触AI很早，2023年就开始了，但那时候属于特别繁琐的本地部署，生成的东西基本不可用，还是六根手指那些可怕的镜头。”

2024年她暂时放下了AI，直到去年下半年，导师的研究方向恰好是AI，她重新开始实验。“今年年初我做了一些作品，AI的发展比2023年的时候进步太多，基本上颠覆了我的想象。”

按照过去的职业路径，李鑫欣毕业后会去影视公司，从最基础的岗位做起，但AI时代给了她另一种可能。一个人就能创作出短片，获得曝光。在这次“AI片场”之前，李鑫欣已经在AIGC领域崭露头角，获得过AIGC相关赛事的总冠军。她告诉第一财经，中传的整体氛围也在鼓励学生拥抱AI。

李鑫欣认为，AI时代给了她新的机会。“学导演专业按理说可以进影视公司或者剧组，但现在其实还是有一定门槛的。AI时代给了我一些机会，让我做自己的作品、自己的表达，让更多人看到，给了我一些曝光。”她现在开了一家工作室，深耕动画方向，“希望以后有机会做长片动画”。

青年导演王泽此次与擅长动画的李鑫欣组队，第一次尝试AI动画。这个跨界让他看到了另一种可能。这次的作品效果和成熟的CG特效成品没什么区别。原来他不做动画，是因为觉得自己不会画画，“虽然我是导演，但没学过画画，做不了动画。后来发现，AI工具生成人物之后，我可以运用学导演的知识去分镜。技术壁垒被打破了”。王泽说：“AI已经势不可挡，虽然不是每次生成都尽如人意，但作为一个才发展几年的产物，可以给它一点耐心。”

合作给彼此都带来了新的视角。李鑫欣说，所有人对她来说都是前辈。“特别是我的搭档，他传统实拍做得多，给到我很多表演调度上的思考和经验。王泽会严格把控每个镜头有多少秒、怎么调度、用什么样的光圈，这些都是特别细节的东西，我们互相借鉴。”

AI电影会成为现实，但不是现在

两年前，张吃鱼和俞白眉几位导演一起做过一次AI创作尝试。彼时，维持人物统一性、完成稍微复杂一些的调度，几乎都是不可能的事。张吃鱼调侃：“说是用人工智能，结果全是人工没有智能。”两年后的今天，AI已经可以讲一个相对完整的故事了，这个速度超出了很多人的预期。

目前，在专业影视制作流程中，AI能参与的部分仍然有限。张吃鱼观察到，目前AI更多运用在前期，主要用于预演和概念视觉化。后期它能参与，但无法深度结合，问题集中在分辨率、色温等专业层面。“做得越专业，AI的输出越不太能满足需求。”他希望未来大模型能针对行业需求做出调整，这样才能更顺畅地接入现有制作流程。

制片人任宁也看到了AI在前期的价值。很多年轻创作者在递剧本时会附上一段AI生成的样片，帮助制片人、出品人更直观地判断导演想讲一个什么样的故事、用什么样的方式呈现。后期制作中，AI已广泛用于特效，无论是建模还是千军万马的场面，降本增效的作用确实明显。相比之下，动画领域AI应用相对成熟，真人电影还需要一个过程。

黄雷则指出了算力分配的问题。他表示，目前使用的模型不是专门为影视工作者设计的，更多是普及性软件。“平台卖算力给大众，是为了照顾更多人的需求，而不是为极少数专业客户服务的。”如果生成一个比较难的镜头，多人表演、真人表演，景别又大又全，结果大概率不理想。他期待平台未来能提供单镜头更高算力的选择。

俞白眉的态度或许是行业中最具代表性的：拥抱AI，但不神话AI。他劝所有起心动念的电影公司“收了神通”，“在未来的两年时间里不要用AI跟电影混淆。观众会严厉地批评行业只想着降本增效，却没有想着提高电影质量”。

他并不否认AI的未来。“AI未来百分之百会与电影结合。”但他认为，AI必须发展到任何人都无法分辨它是AI还是实拍的程度，才有进入电影院的机会。在他看来，很多大模型开始研究世界模型，引入物理重力、空气阻力和风力，才会让观众的肉眼觉得画面经得起推敲。“只有融合了世界模型的大模型出来，未来才有做电影的可能。”

“每一次科技进步，最终都会改变艺术本身。”俞白眉说。自从有了胶片，就有了两小时的格律，但从来不是一成不变的。它刚出现的时候，《火车进站》不过是个很短的影像，后来吸收了戏剧的能量，才变成两小时的叙事艺术，形成了某种章法和格律。“这个东西会毫无变化吗？我很怀疑。”

过去两年，已经有不少有才华但毫无资历的年轻人从AI创作中冒出来。他们并非传统影视行业出身，只是出于热情，做出了爆款，变成了非常职业的爱好者。他们确实创造出了许多崭新的、只有AI才能创造的镜头语言。

俞白眉更期待的是AI做出传统影视做不出来的东西。“如果AI只是做传统影视的‘平替’，就没什么意思。”过去两年，有很多AI作品出圈、成为爆款，甚至改变了部分观众的观影习惯。有些作品让人感觉，“这是传统影视永远表达不了的东西，这是我这辈子第一次见到的东西”。这或许才是AI电影的未来。

（上海国际电影节供图）